Matisse consigue su lugar en la línea de tiempo de la pintura debido a su uso del color. Hizo cosas con colores que nadie había hecho antes e influyó en muchos artistas que lo siguieron. Matisse's Red Studio es importante por su uso del color y su perspectiva aplanada, su alteración de la realidad y nuestra percepción del espacio.

Lo pintó en 1911, después de su exposición al arte islámico tradicional durante una visita a España, lo que influyó en su uso del patrón, la decoración y la representación del espacio. Red Studio se agrupa con otras tres pinturas que Matisse hizo ese año - The Painter's Family, The Pink Studio e Interior with Aubergines - como paradas " en una encrucijada para la pintura occidental, donde el clásico arte de representación predominantemente hacia el exterior. el pasado conoció el ethos provisional, internalizado y autorreferencial del futuro "1.

Los elementos que Matisse incluyó " hundieron sus identidades individuales en lo que se convirtió en una meditación prolongada sobre el arte y la vida, el espacio, el tiempo, la percepción y la naturaleza de la realidad misma ".2 O dicho de manera mucho más simple, pintó una realidad personal, el mundo como él percibido y experimentado, de una manera que tenía sentido para él.

Si miras sus pinturas anteriores, como Harmony in Red, pintada en 1908, verás que Matisse estaba trabajando para lograr el estilo en Red Studio, no apareció de la nada.

Pero la perspectiva es incorrecta …

Matisse no entendió la perspectiva "mal", la pintó de la manera que quería. Alisó la perspectiva en la habitación y la alteró de cómo percibimos la perspectiva con nuestros ojos.

La cuestión de lograr una perspectiva "correcta" se aplica solo si está tratando de pintar con un estilo realista, es decir, crear una ilusión de realidad y profundidad en una pintura. Si ese no es su objetivo, entonces no puede obtener la perspectiva "equivocada". Y no es que Matisse tampoco supiera cómo hacerlo "bien"; él simplemente decidió no hacerlo de esa manera.

Una pintura es, en última instancia, una representación o expresión de algo recreado en dos dimensiones, no tiene que hacerlo como una ilusión de tres dimensiones. Los estilos de pintura occidentales antes del Renacimiento no utilizaron lo que ahora consideramos como una perspectiva tradicional (por ejemplo, gótica). Las formas de arte chinas y japonesas nunca lo han hecho. El cubismo rompe deliberadamente la perspectiva, representando un solo objeto desde varios puntos de vista.

No se deje engañar pensando que Red Studio es una pintura o estilo totalmente plano. Todavía hay una sensación de profundidad en la habitación, creada por la disposición de los elementos. Por ejemplo, hay una línea a la izquierda donde el piso y la pared se encuentran (1). Los muebles pueden reducirse a contornos, pero los bordes de la mesa todavía se inclinan a medida que se alejan (2), al igual que la silla (3). Las pinturas en la parte posterior están claramente apoyadas contra una pared (4), a pesar de que no hay separación de las paredes laterales / posteriores (5) en la forma en que hay entre el piso y la pared lateral. Pero de todos modos, leemos que el borde de la pintura grande está en la esquina.

Incluso podría decirse que cada elemento de la pintura experimenta una perspectiva, pero se presenta como si el artista solo lo estuviera viendo. La silla está en perspectiva de dos puntos, la mesa en uno, la ventana también se empotra en un punto de fuga. Están yuxtapuestos, casi un collage de diferentes puntos de vista.

Una pintura engañosamente simple

Creo que esta es una pintura con una composición aparentemente simple. Puede parecer que Matisse colocó cosas en el lienzo en cualquier lugar antiguo, o que pintó la mesa primero y luego tuvo que llenar el resto del espacio con algo. Pero mira la forma en que la disposición de los elementos te lleva a la pintura.

En la foto he marcado cuáles son para mí las líneas direccionales más fuertes, empujando el ojo hacia arriba desde la parte inferior y hacia atrás desde los bordes, dando vueltas y vueltas para abarcar todo. Por supuesto, es posible ver esto de otras maneras, como arriba a la derecha y luego a la izquierda. (Aunque la forma en que lee una pintura está influenciada por la dirección en la que lee el texto).

Considere cómo pintó los diversos elementos, que se reducen a contornos y a los que se les da importancia. Tenga en cuenta que no hay sombras, pero hay un reflejo reflejado en el cristal. Mira de reojo la pintura para ver las áreas de tono de luz más claramente y cómo crear una unidad en la composición.

No se puede ver en la foto, pero los contornos no están pintados en la parte superior del rojo, sino que aparecen colores debajo del rojo. (Si está trabajando en acuarela, necesitaría enmascarar estas áreas, y con acrílicos probablemente pintarlo en la parte superior dado lo rápido que se secan, pero con aceites podría rayar hasta el color inferior si esa capa estuviera seca.)

" No solo Matisse inundó su espacio pictórico con un lago plano y monocromático a plena saturación, inundando el ángulo oblicuo del estudio; además, trató todo tridimensional como nada más que contornos inscritos. Mientras tanto, los únicos objetos permitían el modelado o el color completo. parecen conceptualmente planos en virtud de que son planos, es decir, la placa circular en primer plano y las pinturas colgadas en la pared o apiladas contra ella " .

- Daniel Wheeler, Arte desde mediados de siglo , p16.

Una pintura autobiográfica

Los elementos en Red Studio te invitan al mundo de Matisse. Para mí, el bit "vacío" en el primer plano se lee como espacio en el piso, donde paso a estar entre las cosas en el estudio. Los elementos forman una especie de nido en el que tiene lugar el proceso creativo.

Las pinturas representadas son todas de él, al igual que las esculturas (1 y 2). Observe la caja de lápices o el carbón (3) sobre la mesa y su caballete (4). Aunque, ¿por qué el reloj no tiene manecillas (5)?

¿Matisse está describiendo el proceso creativo? La mesa actúa como un contenedor para las ideas de comida y bebida, la naturaleza y los materiales del artista; La esencia de la vida de un artista. Hay representación de diferentes temas: retratos, naturaleza muerta, paisaje. Una ventana para la iluminación. El paso del tiempo se denota tanto por el reloj como por las pinturas enmarcadas / sin enmarcar (¿sin terminar?). Se hace una comparación con la tridimensionalidad del mundo con esculturas y un jarrón. Finalmente hay contemplación, una silla posicionada para ver el arte.

Red Studio no era inicialmente rojo. En cambio, "originalmente era un interior azul grisáceo, que se correspondía más estrechamente con el blanco del estudio de Matisse como lo era en realidad. Este gris azulado bastante poderoso todavía se puede ver incluso a simple vista alrededor de la parte superior del reloj y debajo del más delgado pintura en el lado izquierdo. Lo que obligó a Matisse a transformar su estudio con este deslumbrante rojo ha sido debatido: incluso se ha sugerido que fue estimulado de la manera más perceptiva por la imagen posterior de los verdes del jardín en un día caluroso " .

- John Gage, Color y Cultura p212.

En su biografía (página 81), Hilary Spurling dice: "Los visitantes de Issy comprendieron de inmediato que nadie había visto o imaginado algo así antes … parecía un segmento de pared separado con objetos rudimentarios flotando o suspendidos sobre él … ahora (1911) pintó realidades que solo existían en su mente " .

Ni siquiera está bien pintado …

• "Parece que no pudo decidir dónde colocar las cosas".
• "Es solo una mezcla de bits sin tener en cuenta el diseño compositivo".
• "Podría haber retratado sus sentimientos sobre esta habitación con sus piezas de una manera mucho más agradable y tal vez no habría tenido que explicarlo".
• "Las piezas ni siquiera están bien pintadas".

Comentarios como estos (hechos en el Foro de Pintura) plantean la pregunta: "¿Qué define como 'bien pintado'?" ¿Necesita que sea con detalles realistas y finos? ¿Te refieres a lo pictórico donde puedes ver claramente qué es pero también hay una sensación de los trazos de pintura / pincel utilizados para crear la imagen? ¿Puede transmitir una sensación de una cosa sin detalles finos? ¿Es aceptable algún grado de abstracción?

En última instancia, se reduce a la preferencia personal, y tenemos la suerte de vivir en una era en la que existen tantos estilos. Sin embargo, solo pintar objetos para que se vean como representaciones realistas de sí mismos limita mucho el potencial de la pintura, en mi opinión. El realismo es solo un estilo de pintura. Se siente "correcto" para muchas personas debido a la influencia de la fotografía, es decir, la imagen se ve exactamente como lo que representa. Pero eso limita el potencial del medio (y la fotografía para el caso).

Saber lo que te gusta y lo que no te gusta es parte del desarrollo de tu propio estilo. Pero rechazar el trabajo de un artista sin descubrir por qué no le gusta o sin saber por qué se considera un gran problema es cerrar una posible vía de descubrimiento. Parte de ser pintor es estar abierto a las posibilidades, experimentar simplemente para ver a dónde puede llevarte. Cosas inesperadas pueden provenir de fuentes inesperadas. Una y otra vez recibo correos electrónicos de personas que han abordado varios proyectos de pintura diciendo que nunca habían hecho algo así antes y que estaban gratamente sorprendidos por los resultados. Por ejemplo: ¡El peor y señalando el problema !.

No creo que alguna vez me gusten las pinturas de Matisse

Me gusta el trabajo de un artista no es lo mismo que comprender su importancia dentro de la línea de tiempo del arte. Estamos tan acostumbrados a una perspectiva "equivocada" hoy que no pensamos mucho (independientemente de si nos gusta o no). Pero en algún momento un artista fue el primero en hacer esto.

Parte de la apreciación de The Red Studio proviene del contexto en el que estaba trabajando Matisse y del concepto, no solo de la pintura real. Un ejemplo comparable serían las pinturas de campo de color de Rothko; Es difícil imaginar un momento en el que cubrir un lienzo con solo color no tenga precedentes.

Quien se escribe en los libros como maestro es una cuestión de moda y, en cierta medida, de suerte, estar en los lugares o galerías correctos en el momento adecuado, tener académicos y curadores investigando y escribiendo sobre su trabajo. Matisse pasó por un período de desestimación como meramente decorativa (y peor), pero ha sido reevaluado y se le ha dado un papel más destacado. Ahora es bien considerado por su simplicidad, su uso del color, su diseño.