¿QUÉ NECESITA PASAR PARA CREAR UNA ECONOMÍA DE COMICS VIABLE PARA LOS CREADORES DE AMERICA DEL NORTE?
Cuando comenzamos a analizar el estado disfuncional de los creadores de cómics occidentales que trabajan en un estilo influenciado por el manga en Making a Living in Manga Parte 1, describimos 9 razones por las cuales el ecosistema de fabricación de manga en América del Norte está roto. En la Parte 2, examinamos los efectos de la etiqueta de manga "Original English Language (OEL). En la Parte 3, hablamos sobre la brecha de capacitación y cómo la escuela de arte prepara / no prepara a los aspirantes a artistas para carreras en cómics. Viviendo en Manga Parte 4, analizamos más de cerca el lado editorial de hacer manga, incluyendo la autoedición y el abastecimiento público a través de Kickstarter, la preferencia de los editores por las adaptaciones de novelas de trabajo por contrato / novela gráfica frente al trabajo original y las perspectivas laborales para artistas no japoneses que van a Japón a dibujar cómics en la patria del manga.
Todo esto nos lleva a la Parte 5, la penúltima parte de nuestra serie Making a Living in Manga, donde tratamos de explicar por qué no podemos simplemente hacer que lo que funciona en Japón funcione en América del Norte e intentar sacar algunas ideas sobre cómo tomar esta triste canción y mejorarla. Comenzamos con cinco ideas, luego en la Parte 6 (!) Cerramos las cosas con cinco cosas más para considerar.
¿CÓMO HACER UNA VIDA EN MANGA? MUÉSTRAME EL DINERO
Como el creador de cómics canadiense Svetlana Chmakova ha mencionado antes, debería haber espacio para los creadores norteamericanos inspirados en el manga para contar historias exclusivamente norteamericanas. Estas historias se están creando, pero muy pocas de ellas son publicadas por los principales editores de cómics / novelas gráficas, y aún menos son compradas por lectores de manga / cómics, en comparación con la cantidad de artistas que quieren hacer este tipo de cómics. ¿Qué se necesitaría para proporcionar oportunidades viables (de pago) para los muchos creadores de cómics inspirados en el manga que están tratando de dejar su huella en el negocio hoy?
Varios artistas han sugerido que los editores deberían arriesgarse más con las historias originales y pagar más (mayores tasas de páginas y regalías) a los creadores de cómics para que puedan ganar un salario decente. Pero si usted fuera un editor y tratara de mantenerse a flote en una industria que está experimentando cambios tremendos gracias al crecimiento de la publicación digital, ¿pagaría a los artistas no probados para crear trabajos que pueden o no venderse, y pueden o no ser comprados por ¿Un lector que ya ha demostrado que es reacio a comprar historias originales?
Claro, los editores han tirado los dados en apuestas arriesgadas que han valido la pena en el pasado, pero recuerde, todavía hay muchos contenedores de libros y estanterías en las tiendas de cómics llenas de copias polvorientas del " manga original en inglés" que apenas pueden ser regalado Las obras originales que parecen funcionar bien han optado por no venderse como " manga original", sino simplemente como "cómic". Muchos aprendieron por las malas que los lectores de manga no iban a tirar dinero a las historias de estilo ' manga '. No fue tanto un problema ya que estos libros no tuvieron una oportunidad justa porque fueron descartados como manga "falso"; muchos de ellos simplemente no eran tan buenos.
Y no es solo una cuestión de cambio de etiqueta: esto significa que los artistas que analizan detenidamente su trabajo y se preguntan: "¿podría cualquier lector de cómics (por ejemplo, alguien que no suele leer manga japonés)" entender "esta historia?" El lector promedio de cómics de América del Norte probablemente no entenderá por qué su personaje tiene una gran gota de sudor al lado de la cara cuando está ansioso o puede no estar relacionado con un romance ambientado en una escuela secundaria japonesa. (Quiero decir, de verdad. Si no fuiste a la escuela en Japón, ¿por qué estás creando un romance en una escuela secundaria japonesa?)
Por mucho que desees lo contrario, el mercado de cómics de América del Norte es muy diferente al mercado japonés, por lo que no puedes pasar por lo que funciona en Japón y esperar que vuele aquí. Las cosas simplemente no son tan simples.
Para los creadores, es terriblemente fácil señalar con el dedo a los editores por no elegir más cómics inspirados en manga para su publicación. Pero la carga y la culpa por el estado actual de las cosas no deben colocarse únicamente en los pies de los editores. Como dije, necesitamos varias cosas a la vez:
Creadores que pueden crear constantemente contenido original de alta calidad.
Editores que estén dispuestos a publicar y promocionar contenido original.
Minoristas que estén dispuestos a almacenar y vender estos libros
Lectores que estén dispuestos a apoyar y pagar por el contenido original.
Tenga en cuenta la última parte: PAGAR por el contenido original. Claro, hay muchos cómics web que puedes leer de forma gratuita, y probablemente más cómics puedes descargar en un día de los que podrías leer en la vida. El hecho de que pueda leerlo gratis no significa que no valga la pena pagar. Sin embargo, también debo agregar que los creadores deben intensificar y crear contenido de cómics de alta calidad que valga la pena comprar. Pero entraré en eso dentro de poco.
El enigma de 'todo el contenido debe ser gratuito' no es solo un problema de la industria del cómic. Un ensayo reciente escrito por un pasante de música en la Radio Pública Nacional que confesó que tiene decenas de miles de canciones en su computadora, pero que solo compró 15 CD en su vida, generó mucha expectación. Esto solo se amplificó cuando un músico convertido en profesor de economía respondió con una refutación publicada en The Trichordist sobre cómo la industria de la música ha cambiado debido a esta mentalidad del consumidor, y no para mejor.
Olvídese de la noción romántica sobre el artista hambriento, que simplemente dibuja por amor a la creación y comparte lo que crea con cualquiera que quiera hacerlo de forma gratuita. Seriamente. Joder eso. Los artistas merecen que se les pague por lo que hacen, y eso incluye a los artistas, escritores, editores, diseñadores gráficos y todos los demás que hacen cómics que disfrutas leyendo. Sí, es divertido dibujar, pero los creadores de cómics tienen pagos de automóviles, préstamos universitarios, alquileres a pagar y, a menudo, niños para alimentar también. No creo que muchos creadores de cómics esperen ser muy ricos, pero ¿es demasiado pedir poder hacer una carrera con los cómics?
Cómics en Japón vs. AMÉRICA DEL NORTE: AUMENTEMOS LOS NÚMEROS
Entonces, ¿cómo es que los creadores de manga como Eiichiro Oda (One Piece) y Rumiko Takahashi (Ranma ½) a menudo hacen la lista de los principales contribuyentes de Japón (lo que significa que ganan mucho dinero)? Bueno, tal vez porque el negocio de publicación de manga japonés bombea y vende mucho más manga que sus contrapartes norteamericanas.
En pocas palabras, una mayor proporción de la población japonesa lee el manga todos los días. En Japón, niños, adolescentes, adultos e incluso personas mayores leen manga. Los japoneses son prácticamente consumidores de cómics desde la cuna hasta la tumba.
Compare y contraste esto con América del Norte, donde la gran mayoría de los estadounidenses no pueden recordar la última vez que entraron en una tienda de cómics, y mucho menos leyeron cómics que no estaban en su periódico dominical.
¿Quieres algunos números para respaldar esto? Tengo un poco para ti.
Venta de novelas gráficas en 2011
América del Norte (no solo manga): $ 680 millones *
Japón: ¥ 271.71 billones de yenes / $ 3.533 billones ** (sí, billones con una "b")
Novela gráfica de un solo volumen más vendida en 2011:
Norteamérica: Dork Diaries: Tales from a Not-So-Popular Girl Party (Aladdin) por Rachel Renee Russell - 157, 786 copias vendidas *
Japón: One Piece Volume 61 por Eiichiro Oda (Shueisha) - 3.3 millones de copias vendidas **
La lista de los más vendidos de América del Norte refleja los números de Bookscan, que captura principalmente las ventas en librerías en línea y fuera de línea, y no en muchas tiendas de cómics. Dicho esto, tienes que ir bastante abajo en la lista de Bookscan para llegar a la novela gráfica de 'tienda de cómics' más vendida, The Walking Dead Compendium Volume 1 de Robert Kirkman, Charlie Adlard, Cliff Rathburn y Tony Moore (Image Comics), que vendió 35.365 copias.
Series de novelas gráficas más vendidas en 2011:
Norteamérica: The Walking Dead vendió 359, 000 copias, generando $ 8.7 millones en ventas.
Japón: One Piece Casi 38 millones de copias (37, 996, 373 copias)
Sí. One Piece superó a The Walking Dead en una proporción de casi 100: 1. De acuerdo, admito que en 2011, había 61 volúmenes de One Piece disponibles a aproximadamente $ 5 cada uno (en Japón), además de varios libros de arte y libros complementarios, en comparación con, 13 volúmenes de The Walking Dead + el compendio de tapa dura de $ 60 y varios Otras ediciones. Pero incluso cuando tiene en cuenta esos factores, la diferencia de escala es asombrosa.
Manga 'original' más vendido en 2011 *:
Crepúsculo: la novela gráfica Volumen 2 por Stephenie Meyer y Young Kim (Yen Press) - 34, 297 copias vendidas
Scott Pilgrim Volumen 1 por Bryan Lee O'Malley (Oni Press) - 30, 885 copias vendidas
Maximum Ride Volume 4 de James Patterson y NaRae Lee (Yen Press) - 23, 349 copias vendidas
¿Solo quiere comparar las ventas de manga en Japón y América del Norte? Podemos hacer eso también. Comparé el Bookscan de mayo de 2012 y los informes de ventas de Oricon de junio de 2011 para las ventas de Naruto Volume 56 de Masashi Kishimoto (Shueisha / VIZ Media), que captura las ventas de este volumen cuando salió a la venta en Norteamérica y Japón. A finales de mayo de 2012, las ventas del año hasta la fecha de la edición de VIZ Media de Naruto Volume 56 (que llegó a las tiendas de Norteamérica el 8 de mayo de 2012) fue de 6.348 copias. En Japón, la edición de Shueisha de Naruto Volume 56 vendió 218, 000 copias en UNA SEMANA.
Compare y contraste esto con los números proporcionados por Jim Zubkavich (también conocido como Jim Zub), escritor de Skullkickers, con sede en Toronto, un cómic creado por Image Comics. Jim no es solo un escritor, también es maestro y jefe de producción en Udon Entertainment. Entonces no solo está arrojando números de la parte superior de su cabeza.
Jim Zub ha estado trabajando en el negocio de los cómics por un tiempo, por lo que cuando dice que las ventas de 5, 000 números por un cómic mensual de $ 2.99 es muy bueno, tiendo a creerle. Cuando dice que de ese precio de cobertura de $ 2.99, queda menos del 2% para pagar los gastos del editor y el artista / escritor, me horroriza la realidad financiera que está presentando.
Los números de Jim me hacen preguntarme por qué alguien se molesta en dibujar cómics en América del Norte, si no fuera por tomar una deducción de impuestos por la pérdida. De acuerdo, hay cómics independientes, propiedad de creadores que venden más, y muchos que venden mucho menos. Pero wow, si este es el promedio … (inserte el sudor aquí).
Estos números se ofrecen para su consideración para proporcionar un pequeño contexto. Claro, es fácil decir: "Funciona en Japón, ¿por qué no podemos hacerlo en América del Norte?" Bueno, tal vez lo haría si tuviéramos 10 veces más personas leyendo y comprando cómics aquí. Las diferencias en la escala y en las prácticas comerciales de todas las etapas del ecosistema de producción de cómics, desde la capacitación de artistas jóvenes hasta un sistema que promueve el trabajo original propiedad del creador, los costos de impresión y la distribución y fijación de precios en las librerías de Japón hacen que sea difícil, si no a veces imposible. para replicar en América del Norte.
No se trata solo de tratar de vender más cómics de superhéroes, o más manga, o más novelas gráficas independientes, se trata de tratar de vender más cómics, punto. ¿Es eso posible? Si miramos a Japón y Europa, la respuesta es sí. Pero, ¿se puede replicar en América del Norte? Tal vez, pero solo si la industria de los cómics aquí hace un mayor esfuerzo para llegar a nuevos lectores, en lugar de solo atender al mismo pequeño subconjunto de clientes habituales de las tiendas de cómics.
¿El mercado de novelas gráficas tiene espacio para crecer en América del Norte? Sí, y de una manera puede crecer al aprovechar a los lectores que crecieron leyendo, amando y aprendiendo a amar dibujar manga y ver anime.
HABLAMOS DEL PROBLEMA. AHORA, ¿DÓNDE ESTÁN LA SOLUCIÓN (S)?
Algún día, tal vez algún día muy pronto, veremos a esta nueva generación de creadores de cómics que aman el manga crear su propio estilo de narración diferente, nuevo e innovador, crear diferentes tipos de historias y posiblemente llegar a nuevos lectores. Pero incluso si la industria norteamericana de cómics / publicaciones cambia mañana, ¿ya es demasiado tarde? ¿Ya hemos perdido una generación de creadores de cómics que crecieron con sueños de manga, que han renunciado a sus aspiraciones de comics en favor de otras carreras más lucrativas en películas, desarrollo de videojuegos u otros campos que valoran (y pagan) sus ¿habilidades?
Por supuesto, incluso en los mejores escenarios posibles, no todos los que toman un bolígrafo se ganan la vida dibujando cómics, al igual que a un jugador promedio de baloncesto de la escuela secundaria no se le garantiza un lugar en la NBA simplemente porque son moderadamente talentosos en el deporte. Aún así, sería bueno ver que las probabilidades mejoren un poco de "casi imposible" a "desafiante, pero factible".
¿Qué debe suceder para crear una economía de cómics vibrante que pueda fomentar a los jóvenes creadores y pagarles un salario digno para hacer lo que aman: crear cómics? ¿Es webcomics la respuesta? ¿O la autoedición a través de Kickstarter es el camino a seguir aquí? ¿O hay otras cosas que deben suceder para crear una economía de cómics diversa y viable para los creadores de cómics originales en América del Norte?
No vamos a llegar a ningún lado si solo nos sentamos y señalamos con el dedo a otras fiestas que no sean nosotros mismos, y decimos "Si tan solo (artistas / editores / compradores de cómics) cambiaran …". Todos tienen un papel que desempeñar en la reparación de esta economía de cómics rota.
¿A dónde vamos desde aquí? Para empezar, aquí hay 5 formas (seguidas de 5 ideas más en la Parte 6) que podrían hacer que ganarse la vida en el manga sea un poco más factible en América del Norte, con comentarios y sugerencias de Twitterverse, de profesionales de publicaciones, artistas y expertos. y fanáticos
1. LA PUBLICACIÓN DIGITAL ABRIRÁ NUEVAS PUERTAS, ALGUNA VEZ
Si hay algo que realmente está cambiando el negocio editorial como lo conocemos, es la publicación digital. Con la llegada de tabletas de alta resolución a todo color como el iPad, la tableta Microsoft Surface y lectores de libros electrónicos relativamente económicos como Kindle y Nook, hemos visto explotar el interés en la publicación de cómics en línea en los últimos dos años.
Las tiendas de cómics en línea como:
ComiXology
JManga.com
VIZManga.com, de VIZ Media
eManga de Digital Manga Publishing
Dark Horse Digital de Dark Horse Comics
Top Shelf 2.0, de Top Shelf Productions
Tiendas de iPad y iPhone de Yen Press
Tienda de iPad de Kodansha Comic
Amimaru Manga, un editor de manga basado en la aplicación de Facebook
Todos los días hay más y más títulos de manga disponibles para los lectores electrónicos Amazon Kindle y Barnes and Noble Nook, incluidos varios creados por creadores prometedores que se publican directamente en estas plataformas. Algunas editoriales pequeñas como Yaoi Press y ComicLOUD están ofreciendo sus títulos exclusivamente como lanzamientos digitales.
Si bien los cómics no son su enfoque principal, varios sitios web ahora ofrecen una variedad de Blio, Wowio, Apple iBooks, DriveThru Comics y Graphicly.
También hay varios sitios para webcomics independientes, y cada día aparecen más como:
Manga Reborn
Bento Comics
SmackJeeves
Girlamatic.com
WirePop
GEN Manga
Sección de cómics de Crunchyroll
Gaijin (español)
Entre los esfuerzos de las principales editoriales, las nuevas empresas de publicación en línea y los artistas independientes, ahora hay más cómics, manga y novelas gráficas disponibles en formato digital que nunca antes. Lo mejor de todo es que la publicación digital ha hecho que este contenido esté disponible para más lectores que nunca, incluidos los lectores que normalmente no pisan una tienda de cómics, sin mencionar a los lectores de otros países.
¿Qué significará esto para los aspirantes a creadores de manga que actualmente están siendo ignorados por los principales editores de cómics? Posiblemente una oportunidad de llegar a nuevos lectores que no suelen ir a tiendas de cómics o convenciones de cómics. Por supuesto, estos lectores tienen que encontrar estos sitios web dispares o descargar estas aplicaciones, luego navegar a través de varios sitios que pueden o no ofrecer títulos que funcionen con su tableta, teléfono o dispositivo de lector electrónico … es un gran desastre, y no lo es perfecto, pero así son las cosas ahora. Hay mucha acción, pero también mucho margen de mejora.
¿Pero esta ola de publicación digital ha creado algún éxito o cambio de juego? Hasta ahora, no realmente. Pero si las crecientes acumulaciones de cosplayers de Homestuck (un popular webcomic interactivo digital hecho a medida) en los contras cómicos son una indicación, podemos estar en la cúspide de algo muy grande, muy pronto.
"Realmente creo que se puede construir una industria de cómics sostenible / diversa aquí, mi intuición es que lo digital será clave (configurado correctamente)".
- Sveltlana Chmakova (@svetlania), creadora de cómics, Nightschool y
"No lo veo como IMPRESIÓN muriendo. Los tipos grandes que acaparan toda la impresión se acabó. Letra pequeña + digital = futuro".
- DC McQueen (@dianamcqueen), editor de Girlamatic.com
"Las fuentes alternativas de ingresos que están surgiendo (para todos los medios) y el estado caótico de los viejos medios, y quizás lo más importante, la proporción inversa entre la influencia de los cómics y el retorno monetario. Y creo que las cosas cambiarán".
- Heidi MacDonald (@Comixace), Editora, escritora de Comics Beat
2. EDITORES: APROVECHE MÁS TRABAJO ORIGINAL DE NUEVOS CREADORES
Una gran diferencia entre el negocio de los cómics de América del Norte y Japón es que el mercado estadounidense está fuertemente inclinado hacia historias basadas en el mismo panteón de superhéroes creado originalmente en las décadas de 1940 y 1960, mientras que hay muchas más historias y personajes de creadores en Japón. El éxito de The Walking Dead de Robert Kirkman ha demostrado que los lectores están dispuestos a leer historias originales que no tienen nada que ver con Superman o Spider-man. Entonces, ¿por qué esa no es la norma aquí? ¿Por qué no dejar que más creadores creen historias y personajes originales como lo hacen en Japón?
La respuesta simple? Porque Marvel y DC ganan más dinero cuando contratan a creadores para que trabajen a sueldo en función de los personajes que poseen, en lugar de lidiar con el desorden con obras de creadores como Watchmen, la novela gráfica increíblemente exitosa de Alan Moore y Dave Gibbons. Realmente no puedo explicarlo todo aquí, pero confía en mí, es un gran desastre. Echa un vistazo a este artículo escrito por Noah Berlatsky en Slate que explica la controversia por el set no cómico.
Al crear infinitas variaciones en las historias de los personajes que poseen, Marvel y DC mantienen su propiedad intelectual en propiedad frente a los lectores durante décadas. Eso tiene mucho sentido comercial para ellos, pero para mí, esto parece ser una receta para la atrofia creativa. ¿Cuántas historias de Batman deben contarse en el transcurso de 75 años antes de que el pozo creativo esté seco? ¿Y por qué más reimaginaciones de la misma historia en lugar de alentar el desarrollo de nuevas historias y personajes que puedan reclamar su lugar en el panteón de la cultura pop?
Si el negocio de la música se manejara como la industria de los cómics de los Estados Unidos, bandas como Radiohead estarían produciendo un sinfín de versiones de los Beatles. Si el negocio de los cómics japoneses se llevara a cabo como en Norteamérica, Masashi Kishimoto y Eiichiro Oda dibujarían los cómics de Ultra Man y Kamen Rider como trabajo por contrato en lugar de tener la oportunidad de crear (y beneficiarse de) sus propias creaciones originales, Naruto y One Piece.
Sé que capitalizar la propiedad intelectual establecida es donde está el dinero en el negocio de comix de EE. UU., Y que arriesgarse con un autor y una historia no probados es un riesgo. Es una apuesta buscar lo nuevo, pero el estado actual de las cosas es como ver a una serpiente comerse su propia cola mientras trata de decirles a todos que está regurgitando algo nuevo.
"No creo que las cosas creadas por el propietario sean tan rentables a largo plazo. Creo que nos duele un poco (a los editores)".
- Fred Gallagher (@fredrin), creador de Megatokyo
"Parece que el interés en el manga original en inglés (OEL) ha disminuido en los EE. UU., Mientras que aquí, el" manga español "está mejorando, incluso teniendo un mercado más pequeño. Los artistas estadounidenses deberían unirse y convencer a un gran editor de que vale la pena volver a intentarlo ¡Eso es lo que hicimos en Gaijin y (está) yendo bien! "
"Desearía que la industria pudiera olvidar los errores del pasado y hacer que OEL vuelva a crecer. La calidad está ahí, lo sé. Pero tal vez necesiten un buen editor o" capitán ", un grupo de artistas increíbles y toneladas de apoyo para convencer a las empresas y lectores:) "
- Kôsen (@kosen_), creadores de cómics Aurora García Tejado y Diana Fernández Dévora. Daemonium (TokyoPop) y Saihôshi, The Guardian (Yaoi Press)
"La línea de TokyoPop tuvo poca / terrible supervisión editorial y apresuró los libros de baja calidad, por lo que no hay realmente oportunidades de pago para los posibles creadores de manga. Creo que un editor (que) se dedicaría más honestamente a ello podría hacerlo". "
- Zoey Hogan (@caporushes), artista e ilustradora de cómics
"En mi humilde opinión, hablar de una industria de manga de los Estados Unidos parece centrarse demasiado en la superficie. En mi opinión, los dibujantes solo tienen que pagar, hijo".
- Gabby Schulz (@mrfaulty), Creador de monstruos (Secret Acres), y creador de webcomics, Gabby's Playhouse
3. ESCUELAS DE ARTE / PROFESORES: ENSEÑE A LOS JOVENES CREADORES DE CÓMICOS CÓMO TENER ÉXITO, MÁS ALLÁ DEL APRENDIZAJE CÓMO DIBUJAR
Por la naturaleza de lo que son y lo que sus estudiantes esperan de ellos, la mayoría de las escuelas de arte se centran en enseñar arte: cómo dibujar, cómo pintar, cómo diseñar diseños de página, logotipos, tipo de disputa y píxeles de inserción. Pero, por lo que he visto, escuchado y experimentado por mí mismo, la mayoría de las escuelas de arte no pasan suficiente tiempo enseñando a los aspirantes a artistas lo que realmente necesitan para tener éxito: cómo administrar su propio negocio y lo que se necesita para conseguir un trabajo y seguir trabajando como artista profesional.
Probablemente hayas escuchado mucho el término "artista hambriento". Probablemente has escuchado mucho de tus padres después de haberles dicho que quieres ir a la escuela de arte o especializarte en arte en la universidad. Claro, un título de arte no le garantiza un sueldo gordo o un estilo de vida lujoso, pero tampoco significa que el dibujo lo condenará a una dieta de ramen instantáneo y vida en un apartamento lúgubre y del tamaño de una caja de cerillas.
Esto es lo que lo salvará de cumplir esta profecía de la pobreza: reconocer que sus habilidades de dibujo y narración son valiosas, y tomarse el tiempo para aprender las habilidades que realmente necesitará para ganarse la vida en el manga: cómo escribir, cómo vender usted y su trabajo, y cómo administrar sus finanzas, asuntos legales y comerciales.
Si eres un artista, ¿por qué necesitas aprender sobre asuntos comerciales y legales? Porque todo el talento artístico del mundo no puede salvarte de firmar un contrato de mierda si no puedes ver que es un contrato de mierda.
¿Por qué los artistas necesitan aprender sobre (bostezar) negocios, marketing y contabilidad? Porque el talento no pagará sus facturas si no puede vender y comercializar su trabajo de manera efectiva. El talento por sí solo tampoco lo ayudará a trabajar si no cumple constantemente lo que promete a tiempo y si se comporta de manera poco profesional. Comprender cómo funcionan los negocios y el marketing lo ayudará a ser un solucionador de problemas creativo que puede aportar ideas nuevas a un proyecto en lugar de simplemente dibujar imágenes bonitas. E impuestos? Sí, eso es parte de ser un artista que trabaja también.
¿Por qué los artistas necesitan aprender a escribir? Bueno, además de ser necesario para escribir buenas historias que la gente quiere leer, las habilidades de escritura también son útiles cuando escribes cartas de presentación a los editores, o solicitas subvenciones, o escribes tu currículum para solicitar trabajos, no solo trabajos de cómics, sino CUALQUIER trabajo punto.
Si sus sueños incluyen publicar su trabajo en Japón, sus escasas posibilidades de éxito en la patria del manga mejorarán un poco si aprende a hablar y leer japonés. ¿Por qué? Debido a que los editores prefieren trabajar con creadores es fácil trabajar con ellos. Pregúntese: ¿por qué un editor japonés se desvive para trabajar con un artista con el que no puede colaborar en persona o por correo electrónico, especialmente cuando no hay escasez de talento japonés? Y no, hablar inglés lentamente no es suficiente. Wakarimas'ka?
Claro, los artistas exitosos a menudo se enseñan estas habilidades o las aprenden de la manera más difícil al cometer errores. Pero si las escuelas de arte / universidades cobran decenas, no cientos de miles de dólares en matrícula, las universidades, les enseñarán mejor a sus estudiantes las habilidades que necesitarán para obtener empleos remunerados, para que algún día puedan pagar esos montones préstamos estudiantiles. Algunas escuelas de arte ilustradas ya están ofreciendo estas clases, pero en diferentes grados de profundidad y utilidad. Incluso si estas clases están disponibles, aún depende de los estudiantes tomarse el tiempo para tomar estas clases.
Si tu escuela de arte no te enseña estas cosas, o te perdiste aprender estas habilidades en el camino … bueno, no es demasiado tarde para aprender. Recuerde, un artista que es profesional, consistente, tiene una buena actitud y siempre está dispuesto a aprender, generalmente va mucho más lejos que uno que es talentoso pero poco confiable, defensivo y negativo. Solo digo.
"En Estados Unidos, los futuros héroes deportivos obtienen un refuerzo positivo cuando son jóvenes: premios, adulación, $$$. ¿Cómo podemos hacer esto para los futuros héroes del cómic?"
"Cuando era joven, me dijeron que los cómics eran tontos, conseguir un trabajo real, etc. Solo la estupidez pura y torpe me llevó hasta aquí. Creo que esto debería cambiar. La gente en los cómics estadounidenses tiene una actitud derrotista de mierda. La positividad es realmente contagiosa, idiotas tontos ".
"En Japón, tal vez tu padre no quiere que seas un manga-ka, pero al menos sabes que la gente se hace rica y famosa con el manga. Puedes aspirar a eso. Necesitamos crear condiciones que fomenten el desarrollo de jóvenes dibujantes". Perdemos tantos dibujantes potenciales en otros campos:("
- Bryan Lee O'Malley @radiomaru, creador de Scott Pilgrim (Oni Press)
"Obtuve una maestría en libros divertidos y solo tuve que tomar UNA clase relacionada con la escritura: guiones. Esto no debería ser. Me sorprende constantemente que la información básica sobre la estructura de la historia en tres actos, el desarrollo fundamental del personaje no se enseñe más."
- Ben Towle (@ben_towle), creador de Oyster War
"La gente piensa que el talento es la forma en que las personas son descubiertas, como si te encontraran porque eres increíble y talentoso, pero realmente se trata de venderte a ti mismo. Es algo difícil de hacer, pero no puedes esperar que vengan a ti ".
- Heather Skweres (@CandyAppleCat), artista, coleccionista de juguetes y fotógrafa
4. ARTISTAS: INSPÍRATE, PERO NO ESTÁ LIMITADO POR MANGA
Todo artista comienza imitando el estilo de creadores que más admira. Pero los artistas que realmente se destacan en este campo toman estas inspiraciones, dibujan, dibujan y dibujan un poco más hasta que emerge su propio estilo único y distinto de dibujar y contar historias.
Los artistas exitosos también tienen un estilo que se basa en una base sólida de lo básico: anatomía, perspectiva, luz / sombra / color, narración gráfica y ritmo / trazado. Si no lo aprende en la escuela, elija uno de los muchos libros fabulosos como Understanding Comics de Scott McCloud, Drawing Words and Writing Pictures y Mastering Comics, ambos de Jessica Abel y Matt Madden para obtener un curso intensivo sobre estos -conocer habilidades.
Los aspirantes a artistas también deben pasar más tiempo dibujando historias, no solo ilustraciones ilustradas. Si te limitas a dibujar fan art de Naruto besando a Sasuke, bueno, estás obstaculizando tu crecimiento como artista. Dibuje historias que sean significativas para usted, que tal vez provengan de sus propias experiencias, no solo una copia de lo que ha leído en su manga favorito.
Además, expanda sus horizontes leyendo todo tipo de libros y cómics estadounidenses y europeos, indie y mainstream, no solo manga. El manga japonés es increíble, pero hay todo un mundo de cómics para explorar y disfrutar. Incluso los artistas de manga como Katsuhiro Otomo (Akira), Jiro Taniguchi (The Walking Man), Osamu Tezuka () y Monkey Punch (Lupin III) se inspiraron e influenciaron al leer cómics europeos y estadounidenses.
Está bien usar el manga japonés como punto de partida, pero no puede ser donde te quedas el resto de tu carrera artística. Para realmente destacar y triunfar en este negocio, debes saber cómo dibujar historias y dibujar con un estilo que sea verdaderamente tuyo; no solo una copia de lo que se está haciendo (y se está haciendo mucho mejor) por artistas en Japón.
"Ya no estoy en América del Norte, pero creo que hemos estado allí por un tiempo. Muchos artistas asombrosos han leído ampliamente y desarrollado estilos fuertes, únicos e híbridos, de orígenes de manga -teen. Las cosas se abrieron y desarrollaron durante hora."
- Sally Jane Thompson (@SallyThompson), creadora e ilustradora de cómics independiente, creadora de From! y colaborador de 1000 Ideas de 100 artistas de manga (Rockside Publishers)
5. CREADORES: SALIR DE LOS ARTISTAS ALLEY PIN-UP GHETTO Y DIBUJAR HISTORIAS QUE VALEN LA COMPRA
Dibujar cómics no es una carrera fácil con recompensas garantizadas, en Japón o América del Norte. Incluso en los mejores escenarios posibles, siempre habrá más personas que quieran dibujar cómics que empleos remunerados lucrativos para todos ellos.
Sí, es bastante difícil lograr que un editor recoja una historia cómica original de un artista desconocido para su publicación. También es bastante fácil para los aspirantes a artistas señalar con el dedo a los editores y decir: "No nos estás dando una oportunidad". Pero hablar como alguien que ha leído su parte de cómics mediocres autoeditados (y publicados en la corriente principal), solo porque lo dibujaste y a tus amigos les gusta, no significa que siempre valga la pena leerlo o comprarlo.
Sí, el gusto y el estilo son subjetivos, pero hay algunos conceptos básicos que a menudo faltan en el trabajo de muchos artistas novatos, como personajes interesantes e interesantes. Diálogo que no te hace rodar los ojos. Narración gráfica que es agradable y fácil de seguir. Parcelas que no te dejan pensando: "¿Qué acaba de pasar y realmente me importa incluso si me entero?" Y el dibujo! Oh, el dibujo … anatomía defectuosa, perspectiva, luces y sombras, expresiones faciales, ¿por dónde empiezo?
Los creadores de cómics en Japón, Europa o América del Norte pueden dibujar en diferentes estilos, pero los que tienen éxito consistentemente saben cómo ejecutar lo básico y lo hacen consistentemente bien. Esto es lo que marcará la diferencia entre ser un fanático que puede dibujar y un profesional que puede crear historias que son convincentes y que valen los $ 10- $ 20 que una sola novela gráfica cuesta hoy en día.
Una diferencia clave entre cómo algunos creadores de cómics japoneses perfeccionan sus habilidades (y ganan dinero mientras lo hacen) es dibujando cómics de fanáticos o doujinshi. Al dibujar historias basadas en personajes populares e historias creadas por otros artistas, los artistas novatos pueden centrarse en desarrollar sus habilidades de dibujo y narración. También se benefician de una base de admiradores de 'solo agregar agua' que están más dispuestos a comprar cómics auto-publicados basados en personajes que ya conocen y aman. De acuerdo, a menudo son obscenos, por lo que existe ese aspecto de la popularidad de doujinshi, pero el resultado final es que muchos artistas novatos tienen la oportunidad de crear y mejorar, ganar algo de dinero, obtener experiencia vendiendo su trabajo y presentarse a nuevos lectores / fanáticos.
El equivalente más cercano de este tipo de 'entrenamiento' que proviene del dibujo de cómics basados en historias populares son las adaptaciones de novelas gráficas de novelas para adultos jóvenes más vendidas, como Twilight, In Odd We Trust y Soulless, publicadas por Del Rey y Yen Press.
Muchos artistas norteamericanos de ' manga ' conocen y admiran la cultura japonesa doujinshi, pero encuentran que este fenómeno es casi imposible de recrear en Occidente. Las leyes de derechos de autor de Estados Unidos no son tan indulgentes con el 'fan art' para obtener ganancias, pero también hay otra razón por la cual la cultura doujinshi es difícil de importar: los altos costos de impresión. Muchos creadores de cómics occidentales intentan auto publicar, pero a menudo encuentran que el costo de imprimir tiradas cortas (200 copias o menos) los obliga a vender sus cómics originales a precios mucho más altos de lo que la mayoría de los compradores están dispuestos a pagar por una historia / personajes que nunca antes habían visto por un creador del que nunca antes habían oído hablar. ¿Qué es más barato de imprimir, más rápido de crear y más fácil de vender? Pin-up de arte / carteles.
Sé que el arte pin-up es lo que se vende en los callejones de los artistas de la convención de anime, y sé que los factores económicos hacen que la creación / impresión de cómics auto-publicados no sea práctica, pero es una pena si el arte pin-up es donde la mayoría de los aspirantes a creadores terminan enfocándose Su energía creativa. Dibujar pin-ups está bien, pero si todo termina, entonces eres un ilustrador, no un narrador gráfico.
Por lo que he observado en los programas de historietas, los artistas de " manga " que realmente parecen estar mejorando rápidamente, desarrollando su propio estilo y, por lo tanto, tienen la mejor oportunidad de lograrlo en América del Norte, son los que han dejado el anime. los artistas de la convención callejones detrás para enfocar sus energías en dibujar cómics independientes o webcomics.
Ya sea que dibujes con fuertes influencias de manga o no, solo haz buenos cómics. Haz muchos y desafíate a ti mismo para mejorar con cada historia que crees. Exponga su trabajo tanto como sea posible. Publique su arte en sitios como Deviant Art o Manga Magazine, y solicite a las personas sus comentarios. Cuando reciba comentarios, aprenda cómo tomar críticas constructivas con gracia y agradecimiento, e incorpórelas a su trabajo. Puede ser doloroso, pero si te tomas en serio pasar de fanático a profesional, esta es una habilidad esencial que debes dominar, además de saber dibujar.
Si anhelas los comentarios de la patria del manga, prueba suerte y envía una historia a los concursos patrocinados por editoriales japonesas y organizaciones culturales destinadas a destacar nuevos talentos fuera de Japón.
Morning International Comics Competition (MICC), patrocinado por Weekly Morning Magazine y Kodansha. Inscripciones que vencen en julio de 2013
Concurso Internacional de Premios Manga - patrocinado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón - las entradas deben presentarse en junio de 2013
Manga Audition, patrocinada por la revista Comic Zenon - (las presentaciones deben ser historias sin palabras basadas en un tema establecido) Entradas previstas: marzo de 2013
Yen Press también realiza una búsqueda anual de nuevos talentos, buscando artistas nuevos, prometedores y semiprofesionales. Antes de preparar tu entrada, mira lo que el editor de Yen Press, JuYoun Lee, dijo sobre las entradas pasadas y sus consejos para los artistas que piensan en enviar historias.
"Tengo que decir que es interesante que la comunidad creativa todavía tenga la conversación" ¿deberíamos / podemos llamarlo manga ? "… Es la calidad del material lo que determinará la aceptación (o rechazo) de los lectores material, manga, mainstream u otro. Al final del día, todo es cómic. Sin embargo, las etiquetas aún tienen sus méritos, aunque tal vez no por las razones que todos asumen ".
- Yen Press (@yenpress), editor de manga japonés y novelas gráficas originales
"Creo que el problema es que la mayoría de los artistas nuevos sienten que el arte va a vender todo el producto y nadie le presta atención a (la) historia. Es una gratificación rápida: recibes más elogios por el arte antes de que alguien lea. Simpatizo por los artistas, pero no compraré sus cosas por lástima. Solo tienen que adquirir más experiencia ".
- Jonathan Morales (@king_puddin), ilustrador independiente
"¡Tanto los creadores como los editores deben asegurarse de publicar BUENOS CÓMICOS! Si los haces, vendrán. Por supuesto, no todo depende de los editores para arreglar las cosas. Los creadores realmente necesitan avanzar, tener habilidades y saber qué ellos están haciendo."
- Candace Ellis (@bybystarlight), creadora de Moth Tales
"Tener una revisión de la cartera de TokyoPop cambió la forma en que veía mis cómics y mi arte. Es difícil de escuchar, pero un punto de inflexión en mi arte".
- Deanna Echanique (@dechanique), creadora de Kindling y La Macchina Bellica
ACTUALIZACIÓN: Evan Liu, ex escritor de la función The Gallery de Anime News Network (que destacó a los creadores de cómics emergentes), quien ahora es el director de PacSet Tours.
En una publicación de Tumblr titulada "La división entre OEL Manga y Artist's Alley", Liu presenta algunos buenos puntos sobre cómo y por qué muchos artistas prometedores, profesionales y semiprofesionales exhiben y venden sus obras de arte en Artists 'Alley.
"La gente debe dejar de asumir que todos en Artist's Alley quieren dibujar manga profesionalmente. Claro, algunas personas lo hacen, pero hay muchos artistas en el callejón que se contentan con ser simplemente ilustradores increíbles".
