Nacido en el Reino Unido a fines de los años 80, el shoegaze fue un movimiento que usó guitarras eléctricas increíblemente fuertes para hacer algo que tenía poca conexión con el rock and roll tradicional. Utilizando una gran cantidad de pedales de efectos -delay y flange, principalmente- y abusando de las barras de trémolo, las guitarras de shoegaze eliminaron el ataque de su instrumento; construyendo capas sobre capas de tono brumoso y mareado sin el puntal del rock. Las bandas se hicieron conocidas como 'shoegazers' por su hábito de mirar sus pedales de efectos en el escenario; el nombre era peyorativo, pero pronto se convirtió en una insignia de orgullo. Con música tan buena bajo el estandarte, puedes entender por qué.
Formado en 1979, una década sólida antes de que el movimiento del shoegaze se afianzara, los pioneros escoceses del dream-pop Cocteau Twins nunca pueden confundirse con ser parte del género. Pero son los antepasados obvios de su tono. En ausencia de un baterista, la banda exploró un sonido atmosférico construido sobre las vocales de Elizabeth Fraser y las paredes de guitarra de efectos de Robin Guthrie. Head Over Heels era solo el par de ellos, y los encontró golpeando un sonido soñador, brumoso, almibarado y de otro mundo que crecería para convertirse en el suyo. Aquí, los gritos y suspiros de Fraser y el enfoque dinámico y no rockero de Guthrie a una especie de maximalismo de guitarra ambiental demostraron ser muy influyentes; los remolinos sonoros de estudio de Cocteaus que acuñan un plan para el futuro de los zapateros.
El estallido de pop clásico impetuoso, malcriado y desagradable de la inmortal Psychocandy tiene poco en común con gran parte del sonido flotante, etéreo y de ensueño de esta lista. Excepto por una cosa clave: distorsión. Mucha y mucha distorsión. Jesus y Mary Chain eran estudiantes del gurú de la pared del sonido Phil Spector, pero arrastraron su voz doo-wop y sus ritmos de R&B a través de un velo estridente y discordante de ruido hellacious. Marcó una de las grandes presentaciones de un sonido singular: el JAMC llegó completamente formado y diferente a cualquier otro. Un éxito monstruoso en el Reino Unido, el disco indudablemente inspiró las filas crecientes de zapateros en ciernes para ver la guitarra, y, de hecho, cualquier instrumento, como una fuente de tono más que un simple productor de melodías.
A diferencia de muchos de sus pares de shoegaze, que eran bandas independientes que simplemente coqueteaban con el crossover comercial, el equipo de Oxford Ride fue una historia de éxito. Su álbum debut llegó al # 11 en las listas de éxitos del Reino Unido, y en 1992, tuvieron la influencia para tomar una épica de ocho minutos, "Leave them All Behind", en la cuenta regresiva de los 10 mejores singles. Su popularidad inicial no es extraña. Aunque Nowhere, cuya portada es una de las imágenes individuales más sorprendentes e instantáneamente reconocibles en la historia de la música grabada, tiene sus bancos de guitarras cubiertas de rocío y momentos de languidez tenue e introspectiva, es en gran parte un disco de rock directo, con agudos agudos y nada murmuró vocal. Un álbum alternativamente contundente y hermoso, Nowhere fue una primera declaración que Ride nunca superaría.
Desde su título hasta su carátula de gato enroscado, el LP debut para el quinteto de lectura Chapterhouse es un álbum de sonido circular: patrones repetitivos de guitarra que giran piruetas de ruido blanco. Con tres guitarras y bancos de pedales de efectos, Chapterhouse creó un sonido de guitarra que parecía girar; su configuración dosificada enviando rasgueos a círculos eternos de retroalimentación y retraso. Luego, la banda aplicó este sonido vertiginoso a canciones pop de cuatro minutos, entregadas con los necesarios murmullos fey del género y encantamientos ininteligibles. En su lanzamiento, Whirlpool encontró una recepción tibia; la banda misma, después de todo, en general fue difamada. Pero los años han sido amables con Chapterhouse: más de 20 años después, esto suena como un clásico zapato clásico.
La indudable obra maestra de Shoegaze es Loveless, un LP cuyo renombre, reputación mítica y esfera de influencia crece perennemente. El segundo disco de My Bloody Valentine es singular y llamativo, sus nubes masivas de ruido blanco de "pelusa en la aguja" de otro mundo crean un sonido etéreo e íntimo. Sin una nota fuera de lugar, coquetea con la perfección. Intentando crear un seguimiento, el MBV honcho Kevin Shields quemó puentes, células cerebrales y cientos de miles de libras; que todo resultó en vano ayudando a la leyenda de Loveless sin fin. Hasta el punto de que es extraño ver a Loveless acurrucado en medio de una simple lista de los mejores registros de shoegazer. Su lugar habitual es, en cambio, merecidamente la cuenta atrás de los mejores álbumes jamás realizados.
En "Hair Shoes", una melodía que equipara la angustia con la enfermedad, Ian Masters lleva una eternidad aparente para buscar las palabras "si tan solo tuviera la fuerza / para intentar / esconderme", mientras se baña en chubascos de una guitarra resplandeciente y brillante., mientras que los platillos salpican y se desvanecen como mareas hinchadas. Es un momento particularmente de shoegaze en un álbum particularmente de shoegaze. El segundo disco para la banda nacida en Leeds fue el primero desde que adoptó al vocalista original de Lush Meriel Barham en el redil, y a través de sus dulces canciones ella y Masters se desmayan a través de la niebla de la guitarra de Graeme Naysmith, que se trata con una variedad de Efectos de ruido blanco de algodón, nublado y brumoso. Es un disco brillante y hermoso que, en retrospectiva, parece extrañamente subestimado.
Exuberante era un atuendo londinense construido alrededor del repiqueteo, las guitarras cubiertas de rocío y las voces angelicales en duelo de Emma Anderson y Miki Berenyi. La pareja tampoco eran flores de wallgaze; poseídos por la inteligencia pop y las puras puras, entregaron un disco debut de embriagadora y vertiginosa belleza. Producida por Robin Guthrie, la deuda con Cocteau Twins era enorme, pero no afectaba la calidad de Spooky ni un ápice. En su tercer álbum, Lovelife de 1996, Lush desafortunadamente se transformó en una banda de pop-pop descarada, excéntrica y de tono retro, que, en retrospectiva, empañó un poco de brillo de su primer jugador de larga duración. Pero escuchar Spooky, años atrás, suena como viajar al pasado, al corazón de la revolución del shoegaze.
Cualquiera que conozca a The Verve solo como esos poderosos baladistas corporativos detrás de "Bittersweet Symphony" (o, de hecho, ha escuchado al aborrecible Richard Ashcroft y las Naciones Unidas del Sonido) puede no saber que el equipo de Wigan tuvo comienzos creíbles. Conocido simplemente, al principio, como Verve (antes de que las amenazas legales de la etiqueta de jazz requirieran un 'The'), el quinteto tocaba una psicodelia ralentizada y espaciada construida sobre capas de guitarra plateada. Se mantiene más cerca del evangelio narcótico de Spiritualized que el ruido blanco de My Bloody Valentine, pero hay un espíritu de zapato en sus mermeladas colgadas. El "Feel" de 11 minutos más cercano, en particular, se desvanece en un miasma de efectos desvanecidos acumulados en máximos lisérgicos. Aquí, las drogas funcionan.
Al principio, Shoegaze era algo estrictamente regional: principalmente bandas de ciudades provinciales del valle del Támesis. Pero su influencia se extendió rápidamente, y en el debut de Lilys en 1992, In the Presence of Nothing, el género tuvo su primer capítulo estadounidense digno. Aunque obviamente impregnado de los estilos sonoros de Kevin Shields y su equipo, el atuendo siempre cambiante de Kurt Heasley no fue una mera imitación. Aquí, Lilys interpreta una especie de indie-pop rudimentario informado por la psicodelia drogada de los años 60, pero con los efectos de ruido blanco de la observación de zapatos. "Elizabeth Color Wheel" suena como siete minutos de tintineo lánguido con una lijadora de banda, por ejemplo. Aunque lo suficientemente oscuro en su día, el LP es, sin duda, un hito menor, y requiere escuchar cualquier obsesión con los zapatos.
Un grupo de adolescentes tímidos de Reading, Slowdive fue un saco de boxeo crítico en el Reino Unido. Primero fueron escoriados por etiquetar en los faldones de shoegaze, luego se burlaron cuando la prensa musical británica infamemente voluble escenificó su reacción predecible de shoegaze, luego se burlaron cuando su desaparición de 1995 marcó el jadeo final del género. Sin embargo, la historia ha sido muy amable con la música oceánica intensamente bella e ilimitada de Slowdive. Y su segundo disco,
Souvlaki, ha sido anunciado como su obra maestra. Con un par de colaboraciones de Brian Eno y un sonido intensamente cinematográfico, se sumergen en una especie de mundo de sueños mareado y vertiginoso que amenaza con envolver al oyente. Dos décadas después, te preguntas cómo alguien lo escuchó como algo menos que majestuoso.
