Lo creas o no, hubo un tiempo antes de que existieran los musicales. (Lo sé. Soy tan incrédulo como tú). Pero eso plantea una pregunta: ¿Cuál fue el primer musical? ¿Y cuándo apareció?

Bueno, es realmente difícil de decir. Muchos de los libros sobre historia del teatro musical parecen centrarse en The Black Crook (1866), pero ese es realmente un punto de partida arbitrario. The Black Crook es ciertamente fascinante, y lo uso como punto de partida en mi propio curso sobre historia del teatro musical, porque fue la primera producción musical exitosa, de larga duración y nacida en Estados Unidos. Pero decir que es el primer musical es perderse los muchos predecesores y tradiciones que contribuyeron al desarrollo del musical estadounidense.

Históricamente, la música se ha incorporado a las representaciones teatrales desde la época de los antiguos griegos y romanos en los siglos anteriores a la Era Común. La música también fue una parte importante de las actuaciones de commedia dell'arte en Europa en los siglos XV al XVII. Y, por supuesto, está la ópera, que ha sido una fuerza artística importante desde el siglo XVI.

Sin embargo, el teatro musical tal como lo conocemos hoy comenzó a surgir en serio en el siglo XIX. Diversas influencias, tanto estadounidenses como europeas, se unieron para crear la forma de arte moderno que es el teatro musical. Lo que sigue es un desglose de algunos de los géneros más importantes que contribuyeron a ese proceso de desarrollo.

No para regalar la frase clave ni nada, pero toda la siguiente discusión se dirige básicamente hacia una persona y un espectáculo: Oscar Hammerstein II y Show Boat (1927). Una de las muchas razones por las que Hammerstein es la persona más importante en la historia del teatro musical es que esencialmente creó el musical estadounidense al combinar las influencias estadounidense y europea en un todo coherente. (Ver "Las personas más influyentes en la historia del teatro musical").

INFLUENCIAS EUROPEAS

Antes de la primera parte del siglo XX, si había algo de calidad para ver en los teatros estadounidenses, muy probablemente provenía del extranjero. Como verás a continuación, las influencias estadounidenses en el teatro musical fueron fragmentadas, serpenteantes y no integradas. (Pero también es divertido.) Entonces, mientras el ala estadounidense logró un acto de calidad, las audiencias que buscan espectáculos coherentes y bien convertidos podrían recurrir a uno de los siguientes géneros. Notarás que la palabra "ópera" ocupa un lugar destacado en todos los nombres de género. Esto se debe a que estas formas se derivaron en gran medida de la ópera, y a menudo eran protestas contra la grandeza y la pretensión de hifalutin que superaron a la ópera durante su apogeo.

• Balada: una de las primeras ramas de la ópera fue la balada, un género ferozmente satírico, mejor ejemplificado por John Gay y The Beggar's Opera. La ópera balada fue una descarada respuesta británica al dominio de la ópera italiana seria en el siglo XVIII. Algunas de las diferencias clave fueron que la balada interpolaba melodías populares, a menudo con intenciones significativas, y evitaba el recitativo en favor del diálogo hablado, en gran parte de una naturaleza de mal gusto. La ópera balada también contó con una inversión de clases sociales, con bajos ingresos y ladrones en puestos de autoridad, lo que no implica tan sutilmente que las personas que dirigen el gobierno no son mejores que los criminales. La Beggar's Opera es considerada la primera ópera de balada, fue una de las más exitosas y es la única ópera de balada que todavía se realiza hoy.
• Ópera cómica: también conocida como opéra bouffe, la ópera cómica floreció en el siglo XIX. El compositor Jacques Offenbach fue el abanderado de la forma opéra bouffe, creando casi 100 obras, principalmente de 1850 a 1870. Las obras de Offenbach a menudo satirizaron al gobierno, particularmente a Napoleón III y su corte. Offenbach también se deleitó en apuntar a las pretensiones de la gran ópera. De hecho, una de sus obras más conocidas, Orphée aux enfers (Orfeo en el inframundo) fue pensada como un envío salvaje de Christoph Glück y su Orfeo ed Euridice. En Inglaterra, los creadores principales de la ópera cómica fueron WS Gilbert y Arthur Sullivan y su popular serie de óperas para la Compañía de Opera D'oyly Carte en el Teatro Savoy. El libretista WS Gilbert apuntó sus púas satíricas directamente a las debilidades de la nobleza británica y a la corrupción gubernamental, particularmente en las obras más maduras de Gilbert y Sullivan, como The Mikado e Iolanthe.

• Zarzuela: hay una considerable superposición entre la ópera cómica y la zarzuela. De hecho, muchas personas usan la palabra "opereta" para referirse a Gilbert y Sullivan, aunque ellos mismos se refieren a sus obras como óperas cómicas. Pero lo que distingue a la ópera cómica de la opereta es que, al menos con el tiempo, la opereta adquirió connotaciones más serias. De hecho, a veces se volvió completamente cargada, particularmente en la tradición vienesa, uno de los cuales fue un notable practicante, Johann Strauss II (Die Fledermaus, 1874). Más tarde, Franz Lehár (The Merry Widow, 1907) y Oscar Strauss (The Chocolate Soldier, 1908) continuaron en la vena vienesa, aunque a Lehár se le atribuye revitalizar una forma que se había vuelto un poco mohosa y auto importante. Victor Herbert fue pionero en la tradición de la opereta estadounidense, particularmente con su éxito Naughty Marietta en 1910. La opereta en Estados Unidos desapareció durante la Primera Guerra Mundial (después de todo, estábamos luchando en las partes del mundo que la opereta solía celebrar). La forma hizo un regreso fuerte pero breve en la década de 1920 gracias a los compositores Sigmund Romberg (The Desert Song, 1926) y Rudolph Friml (Rose-Marie, 1924).

INFLUENCIAS AMERICANAS

En el siglo XVIII y principios del XIX, los estadounidenses estaban demasiado concentrados en la construcción de la nación para pasar mucho tiempo creando y asistiendo a nuevas obras musicales. Cuando las cosas se calmaron y la gente comenzó a buscar algo de entretenimiento, las ofertas eran de un carácter decididamente rudo, que iban desde espectáculos secundarios sensacionales y museos de monedas de diez centavos hasta espectáculos de salón no exactamente para familias.

• Juglar: tan horrible como es contemplarlo, la primera forma indígena de entretenimiento estadounidense fue el espectáculo de juglar. Los artistas se pondrían una pintura negra con grasa en sus caras y representarían sketches, cantarían canciones y realizarían bailes que retrataran a los afroamericanos de una manera despectiva. Es una tradición vergonzosa, sin duda, pero es importante entender el contexto. Los estadounidenses blancos tenían miedo de lo que sucedería si se aboliera la esclavitud, y los espectáculos de juglares sirvieron para calmar esos temores al retratar a los esclavos como contentos con sus vidas y a los esclavos liberados como tontos torpes. Los espectáculos de juglares se consideraban un entretenimiento familiar limpio, y duraron desde la década de 1840 hasta aproximadamente 1900. Ya en la década de 1940, Hollywood todavía retrataba a los juglares con nostalgia melancólica. La tradición del trovador también contribuyó con muchas canciones que todavía se cantan hoy, incluidas "Camptown Races" y "Dixie".
• Vodevil: La forma predominante de entretenimiento estadounidense desde aproximadamente 1880 hasta 1930 fue el vodevil, que comenzó como una alternativa familiar a la tarifa más tosca y salaz ofrecida en los salones y en otros lugares. Un espectáculo de vodevil consistió en una lista de actos cortos y no relacionados. Finalmente, el proyecto de ley se codificó, con posiciones preferidas al final de la primera mitad y en el penúltimo lugar en el segundo acto. (El lugar final estaba reservado para un acto pésimo que expulsaría a la audiencia del teatro para que la siguiente multitud pudiera entrar). Cadenas de teatros de vodevil surgieron en todo el país, incluidos los circuitos Orpheum, Pantages y Keith-Albee. Decenas de miles de artistas se ganaban la vida viajando por el país con el mismo acto. Los actos de vodevil incluyeron cantantes, malabaristas, comediantes, bailarines, comedores de fuego, magos, contorsionistas, acróbatas, lectores de mentes y hombres fuertes. Vaudeville también sirvió como escaparate para celebridades, atletas y prácticamente cualquier persona con un poco de notoriedad para explotar. (Ver Chicago).

• Burlesque: OK, ahora aquí hay una palabra que requiere un poco de historia de fondo. Cuando escuchamos "burlesco" hoy, tendemos a pensar en strippers como Gypsy Rose Lee y cómics holgados que hacen bromas burdas. Pero ese es un significado relativamente nuevo para la palabra. Durante la era victoriana, el burlesque era en realidad una forma muy popular de entretenimiento familiar. La palabra "burlesco" en realidad significa algo más cercano a "parodia" o "caricatura". Los entretenimientos burlescos en el siglo XIX tomarían una historia bien conocida, por ejemplo, las de Humpty Dumpty, Hiawatha o Adonis, y la usarían como marco para canciones y bailes que pueden o no haber tenido algo que ver con historia. A fines del siglo XIX y principios del XX, particularmente en los Estados Unidos, el burlesque adquirió cada vez más elementos de "golpear con una trompeta" que asociamos hoy con la palabra.

Todas estas formas de entretenimiento finalmente se fusionaron. Las formas europeas dieron lugar a la opereta estadounidense. Las formas americanas produjeron las primeras comedias musicales. Como mencioné anteriormente, Oscar Hammerstein esencialmente cumplió su aprendizaje en ambas formas durante la década de 1920, lo que lo colocó en la posición ideal para unir las dos tradiciones en 1927 con Show Boat. Jerome Kern, el compositor de Show Boat, también fue educado en los modos americano y europeo y, por lo tanto, fue invaluable para hacer de Show Boat el hito que es.

Estos dos hombres tomaron lo mejor de las dos tradiciones dispares y las unieron. Desde el lado estadounidense, tomaron los personajes modernos con los que el público estadounidense podría identificarse, las situaciones más realistas y la emoción humana honesta. También adoptaron el enfoque en hacer que los espectáculos sean divertidos y entretenidos. Desde el lado europeo, tomaron el sentido más fuerte de integración y artesanía tanto en la música como en las letras. También abrazaron el ímpetu para abordar los problemas sociales en el mundo que los rodea. Show Boat, por lo tanto, marca un hito importante en la historia del teatro musical, allanando el camino para la innovación que se avecina, en gran parte del propio Sr. Oscar Hammerstein.