El jazz es quizás la mejor experiencia en vivo, pero algunas grabaciones son verdaderas obras de arte. A continuación se muestra una lista de diez álbumes que representan períodos importantes en el desarrollo del jazz, y cuya música es tan fresca hoy como cuando se grabó. La lista ordenada cronológicamente por las fechas en que se grabó cada álbum, funciona como una mera introducción a las grabaciones de jazz clásicas.
Louis Armstrong - "RCA Victor Recordings completa" (RCA)
Esta compilación es imprescindible para cualquier persona interesada en el origen del jazz. Las improvisaciones melódicas de trompeta de Louis Armstrong y su canto de scat se consideran las semillas de las que brotó todo el jazz desde entonces. Esta colección consiste en versiones crepitantes de algunas canciones menos conocidas del repertorio de Armstrong. Cada canción irradia el espíritu alegre y el individualismo por los que Armstrong era conocido.
'Charlie Parker con cuerdas: El maestro toma' (Polygram)
Cuando Charlie Parker, uno de los creadores de bebop, grabó con un conjunto de cuerdas, fue criticado por complacer a una audiencia popular. Su música se caracterizó en parte por tomar convenciones de música swing y llevarlas a sus extremos; registros extremos, tempos extremadamente rápidos y virtuosismo extremo. A diferencia de la música swing, el bebop se consideraba música artística y representaba una subcultura musical moderna. La grabación de Parker con cuerdas, aunque tal vez sea más aceptable para un público popular, no muestra ningún sacrificio de artesanía o musicalidad. En cada una de estas pistas, el sonido de Parker es puro y nítido, y sus improvisaciones muestran la técnica impecable y el conocimiento armónico por el que bebop era famoso.
Lee Konitz - 'Subconsciente-Lee' (clásicos de jazz originales)
Lee Konitz dejó su huella en el mundo del jazz a finales de los años 1940 y 1950 al desarrollar un estilo de improvisación que contrastaba con el del padre del bebop, el saxofonista alto Charlie Parker. El tono seco de Konitz, las melodías arremolinadas y la experimentación rítmica siguen siendo modelos para los músicos de hoy. Subconsciente-Lee presenta al pianista Lennie Tristano y al saxofonista tenor Warne Marsh, dos de los camaradas de Konitz en el desarrollo de este estilo.
Quinteto Art Blakey - 'Una noche en Birdland' (Blue Note)
La música de Art Blakey es conocida por su ritmo funky y sus melodías emotivas. Esta grabación en vivo, con la leyenda de la trompeta Clifford Brown, es un ejemplo lleno de energía de las primeras aventuras de Blakey en el estilo de conducción que se conocería como hard-bop.
John Coltrane - 'Blue Train' (Blue Note)
Se decía que John Coltrane había practicado hasta veinte horas al día, tanto que al final de su carrera, se rumoreaba que cuando terminó, ya había abandonado algunas técnicas que había descubierto más temprano en el día. Su corta carrera (murió a los cuarenta y un años) se ve subrayada por la constante evolución, pasando del jazz tradicional a suites completamente improvisadas. La música de Blue Train marca el pináculo de su etapa de hard-bop antes de pasar a estilos de improvisación más experimentales. También contiene melodías que se han abierto camino en el repertorio estándar, incluyendo "Moment Notice", "Lazy Bird" y "Blue Train".
Charles Mingus - 'Mingus Ah Um' (Columbia)
Cada una de las piezas del bajista Charles Mingus en este álbum tiene un carácter específico, que va desde frenético hasta taciturno y exuberante, de modo que las composiciones casi tienen una naturaleza visual. Cada miembro de la banda juega su parte de tal manera que suena como si estuviera improvisando, dando a la música vitalidad y espíritu prácticamente inigualable.
Miles Davis - 'Kind of Blue' (Columbia)
En las notas de Kind of Blue de Miles Davis, el pianista Bill Evans (que toca el piano en el álbum) compara la música con una forma espontánea y disciplinada del arte visual japonés. La simplicidad y el toque minimalista de esta grabación histórica son quizás lo que permite a los músicos pintar imágenes impecables y lograr un estado de ánimo tan meditativo y contemplativo. Cada miembro del grupo proviene de un entorno musical diferente y, sin embargo, el resultado es una obra de belleza unificada que todo músico de jazz u oyente debe poseer.
Ornette Coleman - 'The Shape of Jazz to Come' (Atlántico)
Ornette Coleman causó revuelo a fines de la década de 1950 cuando comenzó a tocar lo que se conoce como "free jazz". Con la esperanza de liberarse de las restricciones de progresiones de acordes y estructuras de canciones, simplemente tocaba melodías y gestos. Grabado en 1959, The Shape of Jazz to Come es un experimento bastante conservador con tales conceptos, y el oyente promedio puede no notar mucho es diferente, pero Ornette y una multitud de músicos desde entonces han usado la idea de tocar "gratis" como trampolín. en un vasto reino musical.
Freddie Hubbard - 'Open Sesame' (Blue Note)
Las líneas abrasadoras y el sonido gigante de Freddie Hubbard lo han convertido en el modelo después del cual la mayoría de los trompetistas dan forma a sus enfoques del instrumento. Conmovedora y orientada al groove, esta grabación temprana de Hubbard es la puerta a través de la cual su ardiente interpretación irrumpió en el jazz.
Bill Evans - 'Sunday at the Village Vanguard' (Original Jazz Classics)
Bill Evans y su trío exploran una variedad de estados de ánimo en esta grabación en vivo. La experiencia de Evans en música clásica es evidente con sus exuberantes acordes y gestos sutiles. A cada miembro del trío (incluido Scott LaFaro en el bajo y Paul Motian en la batería) se le permite la misma flexibilidad, por lo que en lugar de que aparezca un jugador mientras los demás lo acompañan, el grupo respira y se hincha como una unidad. Esta libertad, así como la fluidez del fraseo, es algo que los músicos de jazz contemporáneos se esfuerzan por emular.
